История искусств. Просто о важном. Стили, направления и течения - Алина Аксёнова
Шрифт:
Интервал:
Закладка:
Постимпрессионизм
Это явление, возникшее вслед за импрессионизмом и пришедшееся на 80—90-е годы XIX века, не имело общей программы, поэтому его название можно считать весьма условным. Под термином постимпрессионизм подразумевается творчество нескольких художников, на работы которых публика и критики обратили внимание через несколько лет после финальной выставки импрессионистов.
Поль Сезанн и его призыв упростить искусство
Каждый из мастеров, которых относят к постимпрессионизму, обладал собственным видением искусства, поэтому их живопись сильно различается. Мало общего у неё и с импрессионизмом. Это хорошо видно на примере работ Поля Сезанна.
В отличие от предыдущего поколения художников, которые стремились передать движение и постоянную изменчивость мира, Сезанн поставил перед собой другую цель. Он хотел найти в природе постоянные величины, которые могут отобразить устойчивость и монументальность того, что есть перед глазами.
В его картине «Фруктовый сад в Понтуазе», вариант которой мы видели и у Писсарро, пространство кажется застывшим и безвоздушным. Вместо быстрых мелких мазков на холсте густые и плотные краски, делающие предметы плоскими. Живописная программа Сезанна предполагала глубоко осмысленную компоновку объектов на картине — в ней нет ничего случайного и ненужного.
» Композиция у Сезанна всегда чётко выстроена, а каждый изображённый объект представляет своего рода конструкцию из направленных в одну сторону мазков строго определённого цвета, создающих нужную художнику форму.
Живя на юге Франции, Сезанн старался использовать ту палитру, которая свойственна именно этой природе — оттенки охры, синего и зелёного. «Скалы в Эстаке» демонстрируют стремление художника выбрать для каждой формы и цвета своё направление мазка, свою штриховку. Таким образом, в предметах ощущается геометрия, каждый объект делится на составные части.
Подобное отношение к живописи исключает привычный реалистический подход. Холст, картина становится объектом искусства и стремится предать объективный образ мира, но в его представлении это мало связано со зрительным восприятием. Мир такой, какой он есть, и такой, каким человек его познает, а не такой, каким он его видит.
В связи с этим у Сезанна можно проследить несколько характерных приёмов.
Художник нередко показывает предметы с разных точек зрения, как в пейзажах, так и в работах других жанров. В пейзаже «Гора святой Виктории. Вид от карьера Бибемю» оранжевые скалы показаны так, словно мы смотрим на них снизу вверх, а гора — будто мы поднялись выше и стоим напротив неё. В натюрмортах это заметно ещё сильнее. Крышка стола кажется слегка опрокинутой на зрителя, а жестяной кувшин мы видим сбоку и сверху одновременно.
Рассуждая, как выглядеть предметам на картине, Сезанн заявил, что они должны напоминать простые геометрические фигуры: кубы, конусы и цилиндры. Это способствовало геометризации изображаемых им объектов. А в дальнейшем такой подход станет основой для кубизма, авангардного течения начала ХХ века. Отчасти поэтому Сезанна и называют «отцом современной живописи».
Воспринимая живопись как результат глубокого осмысления, анализа окружающего пространства для последующего конструирования формы, Сезанн даже в портретах не стремится к точной передаче внешности. Вместо этого он сочетает формы и цвета, подбирая для них нужную направленность мазка. Художник не прописывает детально лицо, внешность. У Сезанна портрет — это маска, где схвачено лишь несколько характерных черт изображаемого. Так получается образ человека, хотя по отдельности цветовые пятна все равно напоминают геометрические фигуры.
Задача правильно увидеть, осмыслить и скомпоновать элементы на холсте была важнейшей для Сезанна. Мир — это фигуры и пятна, которые видит человек, потому их же пытается правильно увидеть и запечатлеть на холсте художник. Его работа больше похожа не на создание произведения искусства, а на познание законов мироздания при помощи живописи.
Сезанн выбрал для себя несколько главных, любимых объектов, и, изображая только их снова и снова, искал лучший вариант для компоновки. Главным из таких объектов стала гора святой Виктории, которую он написал около сотни раз. Последние пейзажи с этим видом напоминают абстрактную живопись — Сезанна принято считать художником, стоявшим у её истоков. Подобная трансформация живописной манеры была связана также с его стремлением максимально упрощать форму — поэтому в итоге мир в его картинах действительно стал почти абстрактным.
Постимпрессионизм, будучи явлением конца XIX века, развивался на фоне быстрого научно-технического прогресса. Однако это внушало восторг далеко не всем — наоборот, многие испытывали страх перед надвигающейся цивилизацией. Это почувствовали ещё барбизонцы. К концу XIX века страх усилился, заставив художников увидеть спасение и вдохновение в природе, уйти в неё, что повлекло за собой особую популярность пейзажа.
Живописцы того времени были настоящими беглецами от цивилизации. Но, кроме желания уехать дальше от шумного города, ими двигала надежда, что новые места вдохновят их и помогут обновить искусство. Именно тогда обострился интерес к экзотическим странам и далёким культурам.
Винсент Ван Гог и цвет как способ выражения чувств художника
Особенно пристальным был интерес к Японии, границы которой открылись для европейцев в 1854 году. Магазины наводнили японские товары, что способствовало изучению культуры Дальнего Востока. Одним из почитателей искусства Японии был Винсент Ван Гог, голландский художник, написавший свои главные картины во Франции.
Один из созданных им портретов — «Портрет папаши Танги» — представляет нам парижского торговца красками, похожего на японского крестьянина, а также обнаруживает увлечение Ван Гога гравюрами Утагавы Хиросигэ и Кацусики Хокусая[4]. За спиной героя висят многочисленные копии работ этих мастеров в исполнении Ван Гога. Японское искусство привлекало художника тонкими и чёткими линиями, чистым ярким цветом, умением изящно и легко показывать самые обычные явления жизни, выбирая для этого нестандартную с точки зрения европейца композицию и ракурсы. Не имея возможности поехать в Японию, Ван Гог отправился на юг Франции, надеясь увидеть под южным солнцем чёткие линии и самые яркие краски природы.
Цвет был невероятно важен для Ван Гога. Он пользовался им «произвольно, чтобы наиболее полно выразить себя», — так художник сам говорил о своём методе. Если всмотреться в его пейзажи, становится понятно, что цветом Ван Гог выражает свои чувства, не изображаемую натуру, а собственное ощущение от неё и состояние души.
