Классическая музыка для чайников - Дэвид Пок

так, словно все ноты фальшивы).

Серийная музыка: не рекомендуется слушать за завтраком

 Экспериментируя в течение нескольких лет, Шёнберг пошел еще дальше: в своих сочинениях он перестал полагаться на гармонию и здравый смысл, а взял за основу слепое следование “высосанному из пальца” правилу. Сегодня такую музыку называют 12-тоновой, или серийной (если интересно, прочитайте соответствующую врезку “Кое-что о Шёнберге”). Подобную музыку писали и такие композиторы, как Альбан Берг (1885–1935) и Антон Веберн (1883–1945).

Кондитерский набор серийной музыки

 Если вы не прочь познакомиться с некоторыми экспериментальными образцами Новой венской школы, мы готовы указать вам начальное направление. Послушайте следующие пьесы.

˅ Шёнберг. Лунный Пьеро, соч. 21, — для женского голоса и инструментального ансамбля. В этом произведении Шёнберг использует технику, известную как Sprechgesang (“речевое пение”), следуя которой певец не тянет ноты, как в традиционной музыке, а только слегка касается их, скользя между ними вверх и вниз, — и это было написано за годы до появления Боба Дилана!

˅ Берг. Концерт для скрипки — 12-тоновая пьеса, которая ухитряется цитировать Баха и австрийский фольклор. Будучи совершенно атональной, эта музыка тем не менее обладает чрезвычайно притягательной силой, волнует и вызывает романтические чувства.

 Кое-что о Шёнберге

Если вы отыщете посередине клавиатуры рояля клавишу до и последовательно нажмете слева направо все белые клавиши до следующей до, это будет означать, что вы проиграли семь нот в тональности до мажор. 99 процентов всей мировой музыки написаны в какой-либо тональности. Вот почему большинство известных произведений классической музыки носят названия типа: Симфония ре мажор или Соната фа минор.

Но обратите внимание на тональность до мажор: путешествуя по клавиатуре от до до следующей до, вы пропускали все черные клавиши. Основа концепции Арнольда Шёнберга состоит в том, что эти клавиши нельзя считать “гражданами второго сорта” только потому, что у них другой цвет. В его 12-тоновой музыке, музыке нового вида, используются все 12 нот между до и до, белые и черные клавиши — равноправно. Правда, некоторые из основополагающих концепций, как-то: гармония, мелодия и соразмерность — оказались выброшенными на свалку, но и в этом можно усмотреть какой-то прогресс.

Шёнберг не только провозгласил, что все ранее дискриминированные промежуточные ноты заслуживают большего внимания, но он также впервые установил количественные критерии использования тех или иных нот. Он решил, что если вы записали на бумаге ноту до, вам не позволяется вновь использовать до до тех пор, пока вы не используете все 11 оставшихся нот!

После того как он научился соблюдать им же установленные правила, он двинулся вглубь. Он зафиксировал определенный порядок следования этих 12 нот — например, до, ми-бемоль, соль, ля-бемоль, си, до-диез, си-бемоль, ре, фа-диез, фа, ля, ми — и заставлял себя использовать ноты в этом порядке, снова и снова, на протяжении всей пьесы. При этом разрешалось использовать любые ритмы и сочетать ноты в аккорды, но в установленном порядке.

Ощутив тесноту рамок, он установил новые правила: теперь позволялось проигрывать серии из 12 нот в обратном порядке. Он даже позволил себе роскошь зеркального отражения последовательностей из 12 нот. На протяжении лет он испытал на практике все возможные сочетания этих правил (например, исполнение 12 нот в обратном и зеркальном порядке).

Такое музыкальное направление было окрещено сериализмом; увлечение этой музыкой может плохо сказаться на вашем аппетите.

˅ Веберн. Шесть пьес для оркестра, соч. 6, — цикл из очень коротких пьес, общая продолжительность звучания которых составляет всего 12 минут, с быстрыми сменами настроений и тембров. Полностью атональны.

Американцы

В то время, когда композиторы Новой венской школы создавали сложную, запутанную, тяжелую для восприятия музыку, развивался новый вид сугубо американской музыки, выражавшей силу, уверенность и оптимизм, присущие американскому образу мысли.

Аарон Копленд

Аарон Копленд (1900–1990) — один из самых любимых в Соединенных Штатах классических композиторов (его портрет — на рис. 2.29.). Аарон родился в Бруклине, Нью-Йорк, в семье эмигрантов из России; в его музыке звучит сам дух американской родины. Послушайте одну из его пьес — и с ваших глаз спадет пелена неведения и сомнений.

Ранняя музыка Копленда перекликается с некоторыми европейскими музыкальными течениями начала века. Но по мере профессионального роста он пытался создать стиль, наиболее отвечающий запросам американской публики. В некоторые свои серьезные произведения он ввел джазовые ритмы и гармонии; он посвящал свою музыку героям американского фольклора, как в балете Парень Билли.

Наиболее популярное произведение Копленда — балет Аппалачская весна, в основу которого легла история семьи фермера, отправляющейся на новое место жительства в горы Аппалачи. Слушая эту музыку, вы можете почувствовать росу на траве, ощутить радость новобрачных, начинающих новую совместную жизнь, и подержать в руках горсть земли с горной дороги, которая так и норовит покрыть пылью весело раскрашенные наличники нового дома.

Балет Аппалачская весна стал хитом уже с момента первого исполнения в 1944 году. Через год он завоевал Пулитцеровскую премию и по сей день остается самым знаменитым произведением американской классической музыки.

Джордж Гершвин

Следующая по степени известности пьеса принадлежит Джорджу Гершвину (1898–1937), его портрет также изображен рис. 2.29, который родился в Бруклине. Гершвин умер от опухоли мозга в возрасте 39 лет, но за такую короткую жизнь своей музыкой он устранил разрыв между Tin Pan Alley и Карнеги-холл (Аллея жестяных сковородок, эдакая американская слободка, где “лабают” на банджо и кастрюлях, и всемирно известный концертный зал. — Примеч. ред.).

Первым произведением, которое принесло Гершвину известность, была Рапсодия в голубых тонах, короткий концерт, изначально предназначенный для фортепиано в сопровождении джаз-банда. (В поздней редакции джаз-банд был заменен оркестром.) Пьеса была сыграна на концерте оркестра Пола Уайтмэна “Эксперимент в музыке”, теперь уже легендарном.

 Гершвин написал Рапсодию в голубых тонах буквально за несколько недель до концерта, вдохновившись картинами и звуками окружающей жизни во время своей поездки по железной дороге из Нью-Йорка в Бостон. Пьеса, по существу, является классическим фортепианным концертом, но несет на себе яркий отпечаток американского джаза и блюза (между прочим, с джазом Гершвин был в