Италия в Средние века и раннее Новое время: V–XVII вв. - Лидия Михайловна Брагина

В творчестве Рафаэля нашла яркое выражение гуманистическая мечта о прекрасном человеке, пребывающем в полной гармонии с миром, проникнутым божественной красотой. Многие образы Рафаэля светлы, радостны, отличаются мягким лиризмом, но он умел придать своим произведениям и драматическую напряженность. Рафаэль был величайшим мастером композиции, отмеченной особой музыкальностью ритмов, выразительной пластикой фигур, архитектурных форм, пейзажа. В его портретах привлекает благородство идеала человека, воплощенного в конкретном, узнаваемом облике людей эпохи Возрождения (таковы портреты флорентийского купца Анджело Дони, гуманиста графа Бальдассаре Кастильоне, папы Льва X с кардиналами и др.). Многочисленные образы мадонн, созданные художником в Умбрии, Флоренции и Риме, поражают поэзией и возвышенной красотой. Каждый из прославленных шедевров Рафаэля («Мадонна дель Грандука», «Сикстинская мадонна», «Мадонна в кресле» и др.) отличается особой эмоциональной атмосферой любви и духовной чистоты. Блестящий дар Рафаэля-монументалиста раскрылся в росписях интерьеров Ватикана, в том числе в фресках «Афинская школа», «Парнас», «Диспута», «Изгнание Гелиодора» и других, равно как и в гармонии ансамблей отдельных залов. Художник предстает здесь как создатель героического стиля, прославляющего величие и достоинство человека, грандиозность творимой им культуры.

Исключительное место в культуре Возрождения принадлежит Микеланджело Буонарроти – художнику, скульптору, архитектору и поэту, который внес выдающийся вклад в каждую из этих областей творчества. За разностороннюю гениальность современники называли его «божественным». Ведущая тема всего искусства Микеланджело – величие и драматизм бытия человека, героика его борьбы, ее титаническое напряжение. В скульптурных и живописных образах Микеланджело доминирует изображение обнаженного тела – он видел в нем носителя и выразителя качеств души и потому наделял его и красотой, и особой мощью. Бытовое начало было чуждо поэтике Микеланджело – его привлекали накал эмоций, сила сдерживаемой энергии или выплеск страсти.

Статуя Давида, одно из ранних произведений мастера, стала совершенным воплощением монументального образа отважного юноши, готового к борьбе. Уже современники воспринимали этот образ как символ свободолюбия. В грандиозной росписи Сикстинской капеллы Ватикана, где художник должен был изобразить сотворение мира и человека, раннюю историю человечества, Микеланджело воспел красоту и энергию творчества, величие мудрости, сильные характеры и духовную значительность людей. В зрелом творчестве мастера нарастают мотивы противоборства человека с враждебными ему силами. Таковы словно рвущиеся из не обработанной скульптором каменной массы фигуры юношей для гробницы папы Юлия II в Риме, получившие условные названия «Рабы» или «Пленники». Гигантским напряжением внутренних сил поражает могучая статуя «Моисей», предназначавшаяся для этого незавершенного ансамбля. Другой архитектурно-скульптурный комплекс – ансамбль капеллы Медичи – Микеланджело создал во Флоренции. Атмосфера начавшегося кризиса гуманистических идеалов отразилась здесь в трактовке фигур Дня, Ночи, Вечера и Утра, олицетворяющих поступь времени. При всей их физической мощи в них запечатлены душевная усталость, внутреннее смятение, горькое раздумье.

Одним из поздних шедевров Микеланджело стала роспись огромной алтарной стены Сикстинской капеллы в Ватикане – «Страшный суд». Здесь звучит мотив грозной, неумолимой и неодолимой воли, вовлекающей в кругоподобное движение тяжелые массы титанических тел, возносимых к небесам или низвергаемых в ад. Трагизмом и глубокой скорбью исполнены образы скульптурной группы «Пьета» («Оплакивание Христа») из Флорентийского собора. Она также принадлежит к позднему творчеству Микеланджело и предназначалась им для собственного надгробия. В искусстве Микеланджело особенно драматично проявился переход от Высокого Возрождения к Позднему, для которого становятся характерными кризисные мотивы, чувство разочарования в действительности, столь далекой от гуманистических идеалов.

Искусство Высокого Возрождения не исчерпывается творчеством уже упомянутых великих мастеров. Их современниками были такие крупные художники со своей собственной индивидуальной манерой, как Андреа дель Сарто, Антонио Корреджо и ряд других. Корреджо, в частности, был не только главой одной из местных итальянских школ Высокого Возрождения, но и родоначальником нового типа плафонной росписи с фигурами, парящими в облаках в сложных для изображения ракурсах.

В 1520–1530-е годы в итальянском искусстве зарождается новое течение – маньеризм – с характерным для него пиететом к великим художникам Высокого Возрождения и вместе с тем с отказом от классичности: нарушением естественных пропорций фигур, их нарочитой утонченностью и гибкостью, чувственной грацией, нарастанием в композициях роли фантазии. Маньеристы стремятся своим искусством уже не «подражать натуре», а «превзойти ее». Наиболее полно маньеризм воплотился в произведениях таких видных художников, как Понтормо, Россо, Пармиджанино. В творчестве маньеристов, на которое оказали сильное воздействие вкусы знати и дворов, сложился новый тип портрета – придворно-аристократический. В этом жанре особенно много работал Бронзино; величественные образы его моделей подчеркнуто замкнуты, лишены глубокого психологизма.

Одним из главных центров ренессансного искусства уже в начале XVI в. стала Венеция. Ее крупнейшие художники не только внесли свой вклад в развитие традиций Высокого Возрождения, но и сохраняли верность им в те десятилетия, когда в остальной Италии все шире распространялся маньеризм. Гармония и уравновешенность обобщенных, возвышенных образов, характерные для творчества мастеров Возрождения, получают в произведениях венецианских художников новое яркое воплощение и дополняются восприятием мира в поразительном богатстве его цвета, замечательными колористическими открытиями, стремлением рассматривать человека в неразрывном единстве с окружающей его природной средой.

Это отчетливо проявилось уже в музыкальных по звучанию работах Джорджоне (ок. 1477–1510). Ряд его произведений посвящен светской тематике. В его картинах «Спящая Венера», «Гроза», «Три философа», «Сельский концерт» образы персонажей гармонируют с проникнутым тонкой поэзией ландшафтом. Одухотворенность образов отличает и портретную живопись Джорджоне.

Его преемником в венецианском искусстве стал Тициан (ок. 1477 или 1480–1576). Он прожил долгую творческую жизнь, охватившую этапы Высокого и Позднего Возрождения в специфических условиях Венеции. Новаторство Тициана сказалось в самых разных формах и жанрах живописи. С его именем связаны утверждение станковой картины, создание монументальных алтарных полотен, выделение пейзажа в самостоятельный жанр, разработка различных типов портрета (художественно-парадный, камерный и др.). Тициана считают подлинным реформатором живописи – исключительным богатством и многообразием своих колористических достижений именно он показал огромные возможности цвета как средства художественной выразительности новой живописи. Создавая праздничные, жизненно полнокровные образы человека, умея ярко раскрыть его гармоническую связь с природой, Тициан в то же время обращался к образам, отмеченным глубиной проникновения во внутренний мир людей, в их психологию. Тематика его произведений исключительно широка и разнообразна: от полотен с персонажами античной мифологии («Венера Урбинская», «Вакх и Ариадна», «Даная») и аллегорических картин («Любовь земная и небесная») до грандиозных алтарных образов («Ассунта» – «Вознесение Мадонны») и драматизма поздних работ («Коронование терновым венцом», «Св. Себастьян»). Тициан создал целую портретную галерею своих современников («Юноша с перчаткой», «Ипполито Риминальди», портреты императора Карла V, папы Павла III и др.). В позднем творчестве Тициана с особой полнотой проявился его дар художника-колориста: цветовая лепка форм сочетается здесь с тончайшей красочной нюансировкой, созданное кистью единое целое художник