Воспоминания: территория любви - Ирина Александровна Антонова

русских мастеров были представлен Малевич, Архипов, были показаны типично русские костюмы. Все это – источник вдохновения для Диора.

Безусловно, Диор – революционер в моде. Он начал работать в 1947 году. И тогда же впервые показал свою коллекцию. Что это было за время? Только что закончилась война. Он стал создавать новую женщину. Вернулся к женственному, элегантному ее образу. Все – и тонкая талия, и пышная юбка, и покатая линия плеч – стало его высказыванием. Потом его идеи были подхвачены и на протяжении десятилетий использовались не только высокой модой, создающейся для подиумов, выставок и т. д., но и нашли отголосок в произведениях, которые поступают в широкую продажу уже для населения. Кристиан Диор работал относительно недолго, всего десять лет. В 1957 году он умер. Но за 10 лет он сумел создать совершенно великолепные коллекции, элегантные, красивые, полные какого-то особого шарма и очарования. Также он сумел вырастить целую плеяду великолепных дизайнеров, которые работали рядом с ним, учились у него и затем стали крупнейшими мастерами парижской моды.

Наша выставка была разбита на целый ряд циклов. Например, была тема садов Диора. Оказывается, он очень любил цветы. У Кристиана Диора были сады, он изучал садоводческое искусство. Это, наравне с живописью, было его источником вдохновения. Мы представили на выставке совершенно упоительный раздел, где показали платья, украшенные цветами. Были показаны и уникальные ткани, и использование искусственного цветка на ткани.

Еще одной темой выставки стали знаменитые балы Диора 50-х гг. Это опять послевоенное время. Люди мечтали забыть войну, забыть тяжелое время. Они хотели окунуться в мир радости, красоты. Диор был одним из тех, кто стал для них источником этой радости. И эти восхитительные балы мы представили также через его изделия, то есть через совершенно удивительные по красоте платья.

Диор очень любил XVIII век. Его офис в Париже и его ателье были украшены мебелью и картинами. И мы на выставке тоже показали картины XVIII века. И взгляд зрителя невольно переходил на платья рядом, и зритель понимал, как Диор черпает эти мотивы у великих художников прошлого.

Но, может быть, самое поразительное в выставке, как это ни покажется странным, это дизайн пространства, которое уготовано для этой экспозиции. Мы столкнулись с творчеством изумительного французского дизайнера Натали Крегер. Мне доводилось видеть несколько ее выставок в Париже. Я всегда поражалась ее вкусу. Но то, что она сотворила в нашем музее, – это настоящий фонтан воображения, выдумки, удивительно смелое по полету мысли решение наших, уже привычных для нас пространств, которые она приспособила, подготовила для размещения в нем экспонатов. Это надо было обязательно видеть. Это целый язык пространства. Натали использовала зеркала, дополнительные ряды колонн. Вначале мне показалось, что пространство, когда я это видела в чертежах, будет немножко загромождено этими формами, которые она вводит. Ничуть не бывало. Оно оказалось таким широким, таким большим, мы даже не думали, что это может быть так прекрасно. Это почерк очень высокого мастерства. Я считаю, Крегер дала своеобразный мастер-класс для отечественных дизайнеров. Это было очень интересно, уверяю вас, очень качественно, высокопрофессионально.

Нас поразила и работа мастеров выставки. К нам приехала целая бригада французских специалистов, которые создавали это пространство из ткани, стекла, дерева, металла, света.

Одним словом, эта выставка была очень интересна по многим линиям, по многим направлениям. Но все, безусловно, ждали и ароматную продукцию Диора. На выставке была представлена в оригинальной видеоинсталляции целая линия духов и такого рода изделий. Эта инсталляция сочинена Ольгой Киселевой, нашей соотечественницей, которая работает с Диором.[1]

История в фотографиях

Раздел составлен Маргаритой Задеевой и прокомментирован Лилией Дубовой

Воспоминания Ирины Антоновой сами по себе драгоценны и самодостаточны. Фотографии, собранные в этом разделе, просто дополняют ее историю, фиксируют шаг за шагом этапы ее большого пути, дают нам возможность не только прочесть рассказ о ее жизни, но и увидеть все своими глазами. А пояснения к ним служат своеобразным путеводителем по тому удивительному миру, в котором она жила и который творила своими руками.

Государственный музей изобразительных искусств имени А.С. Пушкина. 1947 © А. Гаранин, фото

Так выглядело здание ГМИИ им. А.С. Пушкина (первоначальное название, данное ему основателем И.В. Цветаевым, – Музей изящных искусств) после окончания Великой Отечественной войны.

Со Дня Победы прошло всего два года. И хотя музей работал и принимал в своих стенах огромное число посетителей, но далеко не все было восстановлено.

Ирина Антонова рассказывала, что с протечками воды, уничтожавшими экспонаты, пришлось бороться не один год. И территория вокруг музея тоже далека от той картины, которую мы видим сегодня, когда приходим в ГМИИ на выставки. Еще не цветут и не благоухают знаменитые «пушкинские» розы, нет и огромных деревьев, в тени которых расположились лавочки, где так приятно присесть во время долгого стояния в очереди на новую выставку шедевров. Узнаваемы только фасад и колоннада, что остались неизменными со дня основания музея, именно такими, какими их задумал историк, профессор Московского университета Иван Владимирович Цветаев. «Наш гигантский младший брат» – назвала музей знаменитая дочь профессора – поэт Марина Цветаева. О первом дне существования музея она ярко и с большой любовью рассказала в очерке «Открытие музея», сохранив память о своем отце и о главном деле его жизни.

ГМИИ имени А.С. Пушкина. Главная лестница © О. Иванов, фото

На этом фото мы видим центральную парадную лестницу музея на Волхонке. Известна она как «Розовая лестница», потому что отделана она венгерским розовым мрамором, который специально для нее был закуплен в Венгрии русским меценатом Юрием Степановичем Нечаевым-Мальцовым.

Но для любого постоянного посетителя музея эта лестница важна не только своей красотой и поражающим воображение великолепием. Она ведет в те залы музея, в которых проходит подавляющее большинство выставок, поэтому, преодолевая ее ступень за ступенью, мы каждый раз приближаемся к тому великому, что называется искусством.

ГМИИ имени А.С. Пушкина. Итальянский дворик © В. Шустов, фото

Название «Итальянский дворик» весьма условно. Когда основатель музея Иван Владимирович Цветаев планировал внутреннюю организацию залов, он назвал его «Христианским двориком». А переименовали зал уже в советские времена. Видимо, кого-то из коммунистических чиновников сильно смутило старорежимное определение «христианский». В «Итальянском дворике» представлены слепки с итальянской и немецкой скульптуры эпохи Возрождения. А интерьер зала воссоздает итальянское палаццо XV века, поэтому его