История искусств. Просто о важном. Стили, направления и течения - Алина Сергеевна Аксёнова

и в Италии. Но начиная с XVI века роль художника изменилась.

Художник больше не воспринимается как ремесленник, а видится поэтом, творческой личностью.

АВТОПОРТРЕТ РАФАЭЛЯ, ПОИСКИ ИДЕАЛА

Появление автопортрета говорит о том, что живописец начинает осмыслять свою миссию как нечто особенное. Он не просто исполнитель церковного или светского заказа – он создаёт произведение, основываясь на собственном видении, отношении к задаче.

С появлением автопортрета в искусстве возникает тема самопознания, осмысления человеком своей роли в жизни. Прежде эта тема не звучала. Рафаэль создал своего рода канон изображения художником самого себя. Не он изобрёл этот жанр – автопортреты уже встречались и раньше; однако у него вышло показать себя совершенно иначе.

Мастер изображен на спокойном лаконичном фоне, его фигура повернута в профиль, а лицо в три четверти. Он внимательно смотрит на зрителя. Вслед за Рафаэлем так будут писать себя почти все художники – от Рембрандта до Сальвадора Дали.

Рафаэль – один из тех художников Высокого Возрождения, кто посвятил себя поиску идеальной красоты и сосредоточился на воплощении в искусстве своего идеала. Всем известно выражение «рафаэлевская Мадонна» – именно при помощи этого образа он осуществлял свой поиск.

Для Рафаэля идеал – это женщина: утончённая, нежная, молодая и грациозная, целомудренная, благородная, женщина-мать. Все эти черты воплощены в его Мадоннах.

Даже если на картине не Мадонна, а обыкновенная женщина, та нежная осторожность, гармоничная и деликатная красота, присущие рафаэлевским образам, всегда будут заметны.

Многие красавицы последующих веков буду похожи именно на рафаэлевских нежностью образа и мягкостью черт.

Микеланджело Буонарроти – выразитель гражданского пафоса

Если Леонардо выражал в своём искусстве интерес к науке и стремление к познанию, а Рафаэль, образы которого часто полны лиризма, искал гармонию в красоте, то Микеланджело – это художник, в работах которого отчётливо звучит гражданский пафос и образ героической личности.

Если бы нужно было рассказать о Высоком Ренессансе на примере лишь одного произведения, им бы стал «Давид» работы Микеланджело. Эта скульптура отличается от работы Донателло так же, как XVI век отличается от XV.

Угловатость, миниатюрность, текучесть линий тела Давида работы Донателло – только начало разговора об идеальном человеке в скульптуре. Новый Давид – его окончание, вывод.

Микеланджело изваял пятиметровую статую обнажённого Давида для собора во Флоренции, но когда статуя была готова, её установили на площади. Давид как библейский герой-освободитель стал символом свободной и независимой Флорентийской республики.

Здесь он изображён ещё до битвы с Голиафом. В левой руке героя праща, а в правой камень, которые скоро станут причиной смерти великана. Но этих предметов могло бы не быть – в данном случае главным оружием героя стали его сила и мощь. Каждый мускул его огромного тела напряжён, а ещё сильнее напряжён его взгляд. Он отражает внутреннее состояние, говорит о концентрации духовных и физических сил – это в итоге и приводит героя к победе.

Этой статуей Микеланджело создал образ человеческого величия. Эта идея передана через совершенное тело, которое смело открыто и должно вызывать восхищение, через грозный выразительный взгляд, говорящий о силе духа, и наконец через сюжет.

Давид изображён перед совершением своего подвига. Это время максимальной концентрации физических и умственных сил, подъём, сосредоточенность, напряжение – то есть, лучшее состояние, в котором может пребывать человек.

Такой человек почти равен богу, и неслучайно он напоминает Аполлона или Геркулеса. Связь с идеалами античности проявилась здесь очень ярко.

Можно сказать, что качества Давида присущи самим художникам XVI века.

Они окончательно расстались с предубеждениями и условностями Средневековья, были абсолютно смелы в выборе сюжета и трактовке любого образа. Они были уверены в себе и следовали собственному видению красоты и гармонии. И хотя гармония мира была общей, видение красоты у каждого мастера было разным. Каждый из них показал в искусстве свой идеал человека.

Для Микеланджело, безусловно, он выразился в мужественности и физической силе. Если взглянуть на главный труд художника – фрески плафона Сикстинской капеллы – сомнений в этом не останется. Мы увидим концентрированную энергию мускулов: даже старики и младенцы имеют крепкие мышцы. Здесь снова прослеживается связь с древнегреческим видением героя, который всегда оставался мужественным и сильным. Даже если лицо его казалось старым, тело было атлетически прекрасным – можно вспомнить скульптурную композицию «Лаокоон».

С этого момента, когда мастера последующих поколений будут говорить о физической силе, создавать мужественные образы, в них всегда будет что-то от героев Микеланджело.

Созданные Микеланджело росписи Сикстинской капеллы поражают яркостью и чёткостью контуров. Все фигуры проработаны цветом, а также сразу заметны очерчивающие их линии. Это особенность всей тосканской живописи. Художники начинали работу с нанесения карандашного рисунка, где прорисовывали все детали будущей картины, и только после этого приступали к нанесению красок. В результате все фигуры и объекты на картинах выглядят очень чёткими. Именно рисунок как основа произведения с XVII века станет принципом академического искусства во всех европейских странах.

Этому принципу работы противопоставлена манера венецианских художников.

Венецианская школа живописи

Венецианская живопись имела ряд отличий от флорентийской. В первой половине XV века на неё оказывал сильное воздействие византийский канон – многие византийские мастера жили и работали в Венеции. Отсюда обилие золота на многих картинах и фресках, как, например, «Алтарь Отцов Церкви» Антонио Виварини и Джованни д’Алеманья. Здесь общая любовь Кватроченто к декоративности и детализации дополняется присутствием золота – в деталях одежды, архитектуре и так далее. Безусловно, золото придавало произведению торжественности и праздничности. Эти настроения присущи венецианцам и искусству Венеции.

Венеция – солнечный город, стоящий на воде, наполненный солнечными бликами, отражениями, светом. Корабли регулярно уходили отсюда или возвращались, что всегда было поводом для праздника. Это один из богатейших городов Италии и Европы, город-республика, торговавший тканями, коврами и мехами. Именно сюда стекались товары с Востока и Запада. Эти обстоятельства ещё в XV веке заставили художников уделить особое внимание предметному миру в картинах.

К началу XVI века это внимание стало ещё более пристальным. Оно проявило себя в невероятной точности изображения фактур и передачи материалов. Портрет венецианского дожа работы Джованни Беллини – демонстрация и богатства Венецианской республики и умения художника работать с фактурами, передавать оттенки цвета и способности разных материалов по-разному отражать свет.

Именно цвет и свет станут главными в венецианском искусстве.

Джорджоне – лирик эпохи возрождения

Непревзойдёнными мастерами XVI века, стоящими в одном ряду с Рафаэлем, были Джорджоне и Тициан.

Настроение в картинах, созданных Джорджо да Кастельфранко, известным как Джорджоне – полная противоположность героическому пафосу Микеланджело. Джорджоне – это спокойствие и нега, тихое наслаждение жизнью и единение с природой.

Его картина «Спящая Венера», после смерти художника дописанная его учениками, – это демонстрация смелости и широты взглядов жизнелюбивых венецианских мастеров.

В искусстве Ренессанса впервые появился образ богини, полностью лишённый мифологических черт.

Не зная названия, можно предположить, что перед нами обыкновенная женщина, которая нечаянно уснула на земле, облокотившись на скалу.

• Джорджоне важны не мифологические атрибуты богини или обстановка, а красота её обнажённого тела.

• От созерцания нас не отвлекают лишние детали и контекст, пейзаж нейтрален и сформирован теми же осторожными линиями, что