Книга о музыке - Юлия Александровна Бедерова

Микрохроматика существовала в античности, в эпоху Возрождения, используется в традиционных неевропейских музыкальных системах и стала одной из центральных идей в европейской музыке XX века, испытавшей на себе влияние традиционных восточных музыкальных культур, конфронтационных антиевропейских, антиромантических тенденций и идей возвращения к пифагорейским основам европейской музыки (как бы испорченным историей западноевропейского музыкального развития). Независимо друг от друга с начала XX века микрохроматику разрабатывали европейские, русские и американские модернисты и эксперименталисты.

Минимализм — техника композиции в музыке второй половины XX века, основанная на редукции музыкальных элементов и выразительных средств или на многократном повторении и еле заметном изменении коротких мелодических, гармонических и ритмических фигур (паттернов), и тогда обозначается как репетитивная техника, хотя минимализм и репетитивизм — не синонимы. История музыкального минимализма связана с историей американского визуального и концептуального искусства и влиянием на американских (потом британских и других) композиторов неевропейских и старинных музыкальных практик. Классический американский минимализм — это музыка трех композиторов: Ф. Гласса, Т. Райли, С. Райха. Музыка, написанная под влиянием эстетики минимализма, — постминимализм.

Модальность (от лат. modus — мера, образ, вид, правило) — в музыке принцип лада, основанного не на принципе тяготения к центральному звуку или аккорду всех остальных звуков или аккордов, как в тональной, мажоро-минорной системе Нового времени (см. Лад и тональность), а на любом стабильном звукоряде: центральный, главный звук в нем может смещаться, меняться, но неизменной основой всей музыкальной системы остается сам звукоряд — традиционный или новоизобретенный, искусственно созданный. Тональный и модальный принципы могут сочетаться в музыке одного стиля и даже в одном произведении (например, в позднеренессансной музыке, у славянских композиторов XIX века, американских минималистов XX века). Ретроспективно модальность — базовый принцип устройства музыки в традиционных монодических культурах (григорианский хорал, индийская рага, русский знаменный распев и т. д.). Модальный принцип устойчивых звукорядов (часто не диатонических, а искусственно воссозданных, синтезированных или расширенных — см. Диатоника, Хроматика, Атональная музыка) и смещающихся внутри них опор в музыке XIX–XX веков (у М. Мусоргского, Б. Бартока, О. Мессиана, К. Дебюсси, в джазе) называют неомодальностью или новой модальностью.

Модуляция (от лат. modulatio — соразмерность) — переход из одной тональности в другую. Модуляция — один из основных приемов построения и развития формы в новоевропейской тональной музыке. Например, неустойчивые, развивающие разделы произведений (такие как разработка в сонатной форме) становятся пространством, в котором темы гуляют, переходят, путешествуют в разные тональности и разные миры. Чем больше фантазирует музыка, тем дальше модуляция.

Монодия (греч. μονῳδία — песня одного) — одноголосие, исчерпывающее само себя и не подразумевающее контрапункта или сопровождения (в памятниках античности и Византии, в традиционной музыке иудейской или восточной традиции, в григорианике и в старообрядческой практике, сохранившей следы древней и средневековой культуры).

Н

Новая венская школа сложилась в начале XX века в Вене как композиторский кружок вокруг А. Шёнберга и его учеников, в том числе А. Берга, А. Веберна, Э. Веллеса и других. Нововенцы соотносили себя с первой венской школой — с венскими классиками XVIII — начала XIX века и развивали эстетические принципы позднего романтизма, хотя и не воспринимались современниками как традиционалисты. Художественный мир новой венской школы — это эстетика экспрессионизма, атональное (или пантональное, согласно формулировке Шёнберга) письмо, новые принципы организации звукового материала, в первую очередь додекафония.

Нона — см. Интервал.

Нота и нотная запись (нотация). Нота (от лат. nōta — знак, метка) — это условный графический знак, который указывает на высотно-временные координаты звука. В современной нотации положение головки ноты на нотном стане обозначает высоту звука, а сочетание цвета головки (она может быть черной или белой), хвостика и штиля — его длительность.

О

Обертон, обертоновый ряд. Обертон (от нем. Ober — высокий, Ton — звук) — призвук, сопровождающий любой звук, в том числе музыкальный. Обертон всегда выше основного тона. Для музыкального строя и понятия консонанса важны так называемые гармонические обертоны (музыканты, произнося слово «обертон», обычно имеют в виду именно их) — их частота колебаний (колебаний струны, столба воздуха в духовом инструменте, мембраны ударного, голосовых связок певца) кратна колебаниям основного тона в 2, 3, 4 и т. д. раз (то есть кратна целым числам; по мере движения вверх расстояние между гармоническими обертонами сужается). Гармонические обертоны, собранные подряд, образуют натуральный звукоряд; интервалы между ними принято называть также натуральными. Например, октава — совершенный консонанс — основана на различии частоты колебаний в два раза. Чем больше у двух разных звуков общих гармонических обертонов, тем более консонантно их совместное звучание. Таким образом исторически принципиальное эстетическое различение диссонанса и консонанса имеет свои объективные акустические причины.

Октава. Музыкальные звуки, акустическая частота колебаний в которых отличается ровно в два раза, находятся друг от друга на расстоянии октавы (см. Интервал) и называются одними и теми же словами (например, соль, ре диез и т. д.). Чтобы отличать их, в тексте, описывающем музыку, указывается, в какой октаве находится звук — первая, вторая, малая, большая и т. д. Условно каждая октава начинается со звука до.

Октавы на клавиатуре фортепиано.

Опера — один из главных музыкальных жанров новоевропейской музыки. Рождение оперы связано с экспериментами флорентийского кружка Camerata на рубеже ренессанса и барокко. Позже в Италии сформировались два главных варианта оперного жанра: опера seria (серьезная опера) и опера buffa (комическая). Первая сочинялась на мифологический или легендарно-исторический сюжет с политически-матримониальной интригой и центральными персонажами аристократического происхождения. Строилась из трех актов с чередованием в них законченных музыкальных номеров (арий, изредка ансамблей) и речитативов secco (ит. secco — сухой — речитатив без оркестра, в сопровождении только группы континуо). Вторая модель — buffa — родственна комедии дель арте. Форма строилась в двух актах с финальными ансамблями, среди действующих лиц были персонажи простого происхождения. Итальянская опера повлияла на всех своих локальных европейских родственников: от британской маски и немецкого зингшпиля с разговорными диалогами до самого серьезного своего конкурента — французского музыкально-драматического представления в жанре «опера-балет». К XIX веку опера развивалась в направлении большой, универсальной музыкальной драмы. В XX веке оперный жанр раздробился на множество подвидов (от литературной до монооперы) и индивидуальных решений. В XXI веке оперой называют музыкально-театральную форму, в основе которой лежат идеи человеческого голоса и в целом человечности.

Ориентализм — в новоевропейской музыке это увлечение стилизацией (или карикатурной имитацией) особенностей музыки восточных культур, использование восточных сюжетов, фольклора, колорита. Композиторы XVII–XVIII веков чаще использовали устойчивые шаблонные приемы для ориентальных образов. Остинато, ударные инструменты, короткие мелодические попевки, непривычно, «неправильно» и примитивно звучащие гармонии рисуют образ «экзотического Чужого», например в опере