Жизненный цикл Евроазиатской цивилизации – России. Том 3 - Александр Владимирович Семенков

века был Пимен, Федоров сын, по прозванию Симон Ушаков, (1626–1686), уроженец Москвы, который в 1648 году был принят жалованным иконописцем в Оружейную палату. Роль царского изографа Симона Ушакова в создании русского художественного стиля XVII века была очень велика. С его именем связано самое значительное, поистине революционное направление в иконописании. В живописи главное внимание он уделял светотеневой лепке формы, достигая мягкости переходов, объемности изображения, настойчиво добиваясь впечатления их реальности.

Симон Ушаков в течение 38 лет работал в Оружейной палате и долго руководил ее мастерами. Он был не только художником, но и педагогом и теоретиком искусства. Симон Ушаков положил начало новой системе художественного обучения, которая получила развитие в XVII веке. В средние века мастера передавали свои навыки и секреты замкнутому кругу учеников. Иначе поступал Ушаков, который стремился сделать общедоступными свои знания и опыт. Творческая практика мастера частично отразила его теоретические взгляды, которые, однако, далеко опередили ее. Основы новой эстетической теории ярко и последовательно Симон Ушаков сформулировал в трактате «Слове к любителю иконного писания».

Из всех искусств он выше всего ставит живопись, ибо ее изображению доступны все явления природы – она оживляет мертвых, напоминает о прошедших делах и т.д. Ушаков выражает широкие взгляды на искусство и его общественное значение, сравнивает живопись с зеркалом, обладающим способностью отражать жизнь такой, какой она есть на самом деле. Эти высказывания свидетельствуют о реалистических устремлениях мастера, порывающего со средневековым художественным мировоззрением.

Произведения С. Ушакова украшали храмы и дворцы Кремля. Из его стенописей сохранились фрески церкви Грузинской богоматери в Китай-городе 1653 года. Написанные им фрески Теремного дворца, и реставрированные им же фрески Золотой и Грановитой палат не сохранились до наших дней, также как живопись по холсту, украшавшая коломенский дворец, выполненная под руководством С. Ушакова. Из ранних икон С. Ушакова наиболее известна икона «Великий архиерей», (голова Христа в архиерейской митре) 1657 года из Грузинской церкви. В изображении лица Христа наблюдаются особенности, не встречающиеся в более ранних произведениях иконописи.

В 1668 году С. Ушаков написал аллегорическую композицию «Древо государства российского» (ГТГ). На иконе изображены Кремль и Успенский собор, у основания которого стоят Иван Калита, «собиратель русской земли», и митрополит Петр, сажающие «древо» государства российского. На ветвях древа в круглых медальонах изображены различные деятели московского государства – князья, цари и патриархи. Внизу, на кремлевской стене стоят слева царь Алексей Михайлович, справа – царица Мария Ильинична с царевичами Алексеем и Федором. В центре древа, в овале изображена покровительница Москвы и Московского государства – Владимирская богоматерь. Образ богоматери, созданный Семеном Ушаковым, не является повторением древней иконы. Ее округлое лицо, нежный цвет розоватых щек и полные губы носят черты жизненности и обаяния.

Симон Ушаков неоднократно вводил портретные изображения в свои иконы. В небольшую икону архангела Михаила 1676 год (ГТГ) художник ввел очень жизненную фигуру молящегося человека в обычном одеянии простолюдина, возможно, заказчика и владельца иконы. Исторические свидетельства говорят о том, что С. Ушаков писал настоящие портреты, «парсуны» (портреты) масляными красками на холсте. В 1669 и 1682 году Ушаков написал три портрета царя Алексея Михайловича, в 1685 году – портрет царя Федора Алексеевича. К сожалению, ни одного из этих портретов не сохранились до наших дней.

Симон Ушаков отказался от идущей еще из византийского искусства традиции изображения схематичных плоскостных бестелесных образов и стремился придать изображению сходство с реальной жизнью, добиться «живоподобия». Сюжеты икон, автором которых был Симон, вполне традиционны – это «Спас нерукотворный», «Троица» и т. д. Однако их решение было новаторским: ангелы его Троицы в отличие от рублевских кажутся вполне земными существами, лик Христа на иконе «Спас» – это скорее лицо, изображенное в объеме, с соблюдением анатомических пропорций. С художественной точки зрения работы Симона Ушакова проигрывают произведениям великих мастеров прошлого: в его «Троице» нет одухотворенности ангелов Андрея Рублева, его «Спас» очень уступает по выразительности «Пантократору» Феофана. С другой стороны, и до настоящей реалистической живописи ему было далеко – делались только первые шаги в этом направлении. В наследии Симона Ушакова ценно, прежде всего, само новаторство – мастеру удалось преодолеть многовековую традицию, ставшую уже шаблоном, его работы были предвестником зарождения искусства Нового времени.

Симон Ушаков жил в период борьбы старых, патриархальных церковных воззрений с новыми, светскими реалистическими тенденциями. В области живописи также шли горячие споры сторонников старых икон, с темными аскетическими лицами святых, со сторонниками новой, более реалистической живописи, в которой лица святых были похожи на живые человеческие лица.

В традиционное представление об иконописи Ушаков внес свое понимание назначения иконы, выделяя, прежде всего, ее художественную, эстетическую сторону. Ушакова более всего занимали вопросы взаимоотношения живописи с реальной натурой, мы бы сказали, «отношения искусства к действительности». Для защитников же старой традиции, возглавляемых протопопом Аввакумом, религиозное искусство не имело никакой связи с действительностью. Икона, считали они, – предмет культа, в ней все, даже сама доска, священно, а лики святых не могут быть копией лиц простых смертных.

Фресковая живопись XVII века с большой оговоркой может быть названа монументальной. Расписывали много, но иначе, чем раньше. Изображения измельчены, с большим трудом читаются на расстоянии. Во фресковых циклах XVII столетия отсутствует тектоника. Фрески покрывают стены, столбы, наличники одним сплошным узором, в котором жанровые сценки переплетаются с затейливыми орнаментами. Орнамент покрывает архитектуру, фигуры людей, их костюмы, из орнаментальных ритмов вырастают пейзажные фоны. Декоративизм – одна из отличительных особенностей фресковой росписи XVII столетия. Вторая особенность – праздничность и постоянный интерес к человеку в его повседневной жизни, акцент в сюжетах Священного Писания на красоте природы, труда человека, т.е. жизни во всем ее многообразии[48].

Декоративный стиль живописи получил наибольшее развитие в творчестве ярославских мастеров из артели Гурия Никитина и артели Силы Савина или Дмитрия Григорьева (Плеханова). В XVII веке Ярославль, богатый волжский город, становится одним из центров не только общественной, но и художественной жизни. Купцы и богатые посадские люди строят и расписывают церкви. Мастер из Оружейной палаты, уже упоминавшийся Гурий Никитин, в 1679 году выдвинутый Симоном Ушаковым на звание «жалованного» мастера, с большой артелью расписал в 1681 году ярославскую церковь Ильи Пророка, Дмитрий Григорьев-Плеханов со своей артелью – церковь Иоанна Предтечи в Толчкове.

Стремление передать реальную земную красоту и вместе с тем сказочная фантастика характерны для всех видов художественного творчества XVII столетия. В Теремном дворце стены, своды, пол, изразцовые печи, посуда, ткани, костюмы людей – все покрывал густой травный орнамент. Резным орнаментом были украшены фасады, наличники окон, крыльца деревянного Коломенского дворца. Такой же