ГМИИ им. А. С. Пушкина - Ю. Корсакова

К теме «мастерской» можно отнести и один из лучших натюрмортов Матисса — «Красные рыбки». Художник показывает фрагмент заполненного цветами пространства, посреди которого — предельно приближенный к зрителю круглый столик с аквариумом. Движение красных рыбок составляет основу всей композиции. Вслед за ними в него «включаются» зеленые листья растений, прихотливо изогнутая ножка стола. Обилие подвижных закругленных линейных ритмов организует орнаментальный строй поверхности холста. Динамику усиливает обратная перспектива, которую художник одновременно сознательно усложняет, используя при взгляде на предметы несколько ракурсов. Средоточием цвета в картине являются ярко-красные рыбки. Контрастом становятся зеленые листья растений, форма которых перекликается с формами рыб. Будучи очень тонким колористом, Матисс понимал, какое напряжение таит в себе сочетание красного и зеленого, поэтому он нигде не соединяет их непосредственно. Вводя дополнительные оттенки, художник разрешает это противоречие в гармонии соотношений розовых, сиреневых, оливковых тонов. Розовые и черные оттенки усиливают звучность зеленого, сообщая всему колористическому решению особую прозрачность.

В 1905 Пабло Пикассо создал одно из лучших произведений своего так называемого розового периода — «Девочку на шаре». В это время художник часто обращался к теме странствующих актеров, циркачей и акробатов. Фигура балансирующей на шаре девочки словно парит в воздухе, воплощая мечту о поэзии жизни. Хрупкость маленькой гимнастки подчеркивается силой атлета, массивность которого, в свою очередь, оттеняет изящество героини. В решении композиции непринужденно соединяются почти нарочитая монументальность и неустойчивое зыбкое равновесие естественной грации. Прием сопоставления человеческих и геометрических фигур делает это произведение прологом к тем новым творческим исканиям Пикассо, которые через несколько лет включат кубизм в контекст мирового искусства. Пустынный пейзаж, на фоне которого изображены герои, является своеобразной метафорой атмосферы отстраненности — мир, где пребывают люди искусства.

Амбруаз Воллар, известный собиратель живописи и знаток искусства, первым среди парижских торговцев картинами обратил внимание на творчество молодого Пикассо и уже в 1901 устроил в своей галерее выставку его работ.

Данный портрет является одним из высших достижений Пикассо в области разработок возможностей кубизма, в нем присутствует несомненное сходство с моделью. Каждый из многочисленных планов написан так, что воспринимается одновременно находящимся и впереди, и позади соседнего. Конструирование формы с помощью почти монохромных дымчатых, полупрозрачных плоскостей, характерное для «аналитического кубизма», создает на глазах у зрителя напряженный процесс «кристаллизации» образа. Единого источника освещения в картине не существует: каждый из элементов изображения обладает особым, «внутренним» светом, вибрация которого заставляет воспринимать произведение как живописную частицу находящегося в непрерывном движении мира, творящего из красочной материи, будто из осколков разбитого зеркала, неповторимый титанический образ героя.

Лицо Воллара, пластический и смысловой центр композиции, притягивает к себе все элементы, выстраивая фантасмагорию геометрических форм в строгом ритме.

Произведения Альбера Марке в отличие от картин других фовистов кажутся на удивление простыми, сдержанными по цвету, почти не подверженными деформациям натуры. Однако, не пройди Марке через фовистские увлечения, вряд ли он достиг бы такой выразительной лаконичности цветовых и композиционных решений. В своих пейзажах художнику удалось раскрыть гармонию бескрайнего мира, выразить любовь к жизни. Подобно импрессионистам, Марке любил писать в разные времена года. Чистые краски, графичность контуров придают его картинам повышенный динамизм восприятия. Несмотря на то что ракурсы в его работах зачастую кажутся выбранными случайно, Марке никогда не уточняет, что картина написана из окон мастерской — нет каких-либо деталей, говорящих об этом: ни оконной рамы, ни балкона. Кроме того, Марке не прибегает к технике мелких раздельных мазков чистого цвета для передачи освещения — он решает эту проблему иначе: пятнами немногих тонов. Вибрации атмосферы у него нет. Двумя-тремя штрихами художник дает характеристику предметам, порой одного темного мазка ему достаточно для изображения людей. Черный цвет, которого сознательно избегали импрессионисты, реабилитируется в палитре Марке. Он рисует вертикальные и горизонтальные линии в своих произведениях, сообщая живописной картине притягательную графичность.

Жизнерадостность восприятия природы присуща полотну «Порт в Онфлере». Ничем не стесненный, свободный, почти эскизный рисунок, упрощающий и обобщающий формы, высветленная голубая и серебристо-жемчужная цветовая гамма не дают взгляду оторваться от созерцания холста. С помощью нескольких ярких штрихов — трепещущих разноцветных флажков, раздувшегося паруса на лодке — художнику удается передать солнечный ветреный день, поэзию провинциальной жизни приморского городка.

Национальная галерея в Праге — главная художественная галерея Чехии. В настоящее время она представляет собой обширное собрание произведений чешского и европейского искусства от средних веков до наших дней. Экспозиции размещены в разных исторических постройках в центре Праги, ядром которых остается древний Штейнбергский дворец, где хранится самая ценная и интересная часть коллекции — собрание картин старых мастеров.