Музей Соломона Гуггенхайма Нью-Йорк - Е. Иванова

Всего через год, в 1884, Сёра начал трудиться над своим программным произведением «Воскресный день на острове Гранд-Жатт», в котором его теория пуантилизма обрела зримое воплощение. Показанное на восьмой выставке импрессионистов полотно вызвало бурю негодования, лишь пятидесятипятилетний Камиль Писсарро, знакомый со множеством методов и теорий, нашел работу двадцатишестилетнего Сёра весьма интересной и способной принести значительные художественные результаты. Вскоре, в век, превозносивший науку, стройная система автора, на которой основывалась его живопись, получила широкое распространение — от Франции и Бельгии до России.

Известно, что с 1886, когда Ван Гог поселился в Париже, он несколько раз ездил в пригород Аньер-сюр-Сен. Там мастер отдыхал от городской жизни и много писал с натуры, наслаждаясь красками природы. Он останавливался в доме молодого живописца Эмиля Бернара, их связывала тесная дружба. Сохранившаяся переписка проливает свет на взгляды творцов на искусство и во многом помогает понять их художественный метод. Ван Гог сообщал о важности наблюдения за природой, умения чувствовать ее малейшие изменения. Поэтому утрируя или преобразуя какой-либо натурный мотив, он не придумывал его, а выявлял те свойства, которые были им обнаружены в результате слежения за окружающим миром.

На картине изображен виадук, расположенный на пути от Аньера в Париж. Во тьме тоннеля возникает одинокая фигура путника, одетого во все черное, но в конце виднеется узкая полоска света, что привносит в полотно надежду. Ван Гог работал над этим произведением в начале зрелого периода, изучив все технические и стилистические новшества, появившиеся в Париже. Пейзаж написан быстрыми разнонаправленными пастозными мазками, что усиливает воздействие колорита, основанного на сочетании охристых, зеленых и желтых оттенков. Стремясь передать изменчивость световоздушной среды, мастер использует четко структурированную систему построения живописной поверхности короткими мазками, как его современники-пуантилисты.

Винсент Ван Гог решил стать живописцем в возрасте двадцати семи лет, уже испробовав себя в роли арт-дилера, учителя и проповедника в бельгийских угольных шахтах. Хотя он и посещал занятия в академиях художеств Брюсселя и Антверпена, многому ему приходилось учиться самому, и, судя по ранним карандашным наброскам молодого мастера, он делал значительные успехи. В 1886 Винсент приехал в Париж к брату Тео, владельцу галереи, торговавшей картинами импрессионистов, которому пришлось взять на себя еще и ведение финансовых дел старшего брата. Вскоре, в середине февраля 1888, разочаровавшись в столичном художественном обществе и устав от мрачности городской зимы, живописец переехал на юг Франции, в Арль. Однако, когда он сошел с поезда, его вопреки ожиданиям встретил снежный пейзаж, ставший результатом аномального похолодания в тот год. Известно, что данная картина создана примерно 24 февраля, после чего снег начал таять. Изображен именно тот момент, когда он стал сходить и видны зелень травы, остатки неубранного урожая. Полотно написано удивительно легко, мазки быстрые и точные, чуткая передача световоздушной среды будто дает зрителю возможность ощутить атмосферу зимнего утра. Очевидно, Ван Гог испытал влияние традиционных голландских зимних пейзажей, а также японской гравюры, которую он коллекционировал.

В год, предшествовавший самоубийству, Ван Гог все чаще страдал приступами психического расстройства, причины которого остаются неясными. Пейзаж в Сен-Реми был написан в июле 1889, когда художник лечился в больнице Сен-Поль-де-Мозоль. На картине изображен вид на Альпы, открывающийся с территории учреждения. Особое внимание мастер уделяет изображению неба и гор, используя смелые, широкие, несколько нервные мазки, характерные для его поздних творений. Дважды в письмах к брату Тео Винсент упоминает о работе над этим пейзажем. Пленэрные занятия очень вдохновляли его, непосредственное общение с природой подпитывало жизненные силы живописца, он уходил на этюды каждый раз, когда чувствовал приближение приступа. Природа имела для Ван Гога практически сакральное значение, в отличие от импрессионистов, воспевавших городские будни, его больше интересовала сельская, нетронутая цивилизацией, «чистая» жизнь. Сочетание темно-зеленого и охристого в колорите картины, нарочито волнообразные линии передают внутреннее состояние тревоги и предчувствие приближающегося конца.

В 1891 Поль Гоген совершил свое первое путешествие на Таити с намерением бежать от цивилизации, чтобы слиться с миром девственной природы, вдохновиться первобытной жизнью туземцев. Подобные настроения витали в воздухе начиная с конца XIX века, когда в 1881 остров присоединили к Франции в качестве колонии. Романтическое желание найти рай в неизведанном уголке мира объединило многих художников, писателей и философов.

Оставив семью и успешную карьеру, Гоген отправился в путь. В своей книге «Ноа-ноа», в которой рассказывается о жизни на острове, Гоген пишет: «Я избавился от всего искусственного и условного. Здесь я прикасаюсь к истине, становлюсь частью природы». Манера мастера также претерпевает существенные изменения. Формы становятся предельно простыми, цвет — открытым и ярким, Гоген одним из первых начал использовать цвет в чисто декоративных целях. Фраза «Haere Mai» переводится как «иди сюда», художник часто писал ее на полотнах. Она не имеет никакого отношения к содержанию картины, вероятно, мастер делал это, чтобы привлечь к своим работам внимание публики, которая жаждала указаний на далекие и экзотические края.

В свое время появление Анри Руссо на художественной сцене Парижа стало сенсацией. У живописца не было профессионального образования, что явилось для него одновременно и несчастьем, так как критики и коллеги принимали его манеру за нехватку мастерства, что отчасти было и справедливо, и своего рода удачей, это делало почерк легко узнаваемым. Творец родился в семье рабочего, после службы в армии устроился на таможню, отсюда его прозвище — Таможенник Руссо. Живописью он начал заниматься лишь в 41 год. Свежее, непосредственное восприятие действительности, яркость и богатство палитры, а также оригинальность сюжетов делают его одним из выдающихся мастеров примитивизма.

О необычном методе работы Руссо над портретом известно со слов поэта Гийома Аполлинера. Художник снимал с лица и тела модели точные мерки, чтобы в уменьшенных пропорциях перенести их на холст, и даже якобы подносил тюбики с краской к лицу натурщика, чтобы она соответствовала оттенку кожи. Мастер строил фигуру путем совмещения отдельных частей, без соблюдения перспективного сокращения. Цвет наложен ровным сплошным слоем, кажется, что лица выступают на фоне темных участков одежды. Главным является не портретное сходство, а некая символическая маска, обозначающая человека. Вымышленный пейзаж добавлялся в последнюю очередь, он накладывался, подобно коллажу.

Артиллеристы застыли в торжественной неподвижности, как перед фотографом. Их индивидуальные характеристики сложно уловимы — монотонное чередование черно-белых мундиров, одинаковых усов. Но художник передает боевой дух изображенных, их собранность, готовность к действию.

Живопись первой половины XX века

Творческий путь Пабло Пикассо начал рано, свою первую картину маслом «Пикадор» он написал в возрасте восьми лет и не расставался с ней на протяжении всей жизни. Уроки мастерства мальчик получил у своего отца — учителя рисования Хосе Руиса Бласко. В 1895 семья переехала в Барселону, где Пабло начал заниматься в школе изящных искусств в Ла-Лонха, хотя сначала туда не хотели принимать 14-летнего ребенка, но по просьбе отца его допустили к вступительным экзаменам. Блестяще их выдержав, будущий художник приступил к учебе. Первые свои работы он подписывал фамилией по отцу — Ruiz Blasco, но затем выбрал фамилию матери. Когда художнику было 16 лет, состоялась первая выставка его работ.

В 1900 творец впервые оказался в Париже. Во время своего двухмесячного пребывания в городе он посетил галереи, богемные кафе, кабаре Монмартра. На полотне изображен ресторан «Мулен де ла Галетт» — ветряная мельница, символ ночной жизни французской столицы. Эта первая парижская картина художника свидетельствует о его увлечении знаменитым танцевальным залом, где смешивались блеск и упадок одновременно. Зритель видит богатых, респектабельных мужчин в окружении женщин легкого поведения, их лица напоминают, скорее, искаженные гримасами маски. Пикассо еще предстоит разработать свой неповторимый, индивидуальный стиль, однако для девятнадцатилетнего автора произведение весьма достойное. Яркие цветовые пятна приближают его к протофовистам, а резкие черные контуры — несомненная дань модерну.