Художественные течения конца XIX – середины ХХ века. 24 самых известных художника - Ирина Мудрова

В 1914 году Петр Кончаловский попал на фронт артиллерийским офицером и сражался против немцев.

Всю жизнь Кончаловский очень любил писать натюрморты. В 1916 году появился удивительный натюрморт «Агава», в 1939 – «Глухари», в 1946 – «Подсвечник и груши», в 1955 – «Клубника».

В 1920-е годы Кончаловский отходит от тенденций живописи «Бубнового валета». Его творчество становится более реалистичным. Петр Петрович выдвигается в ряд ведущих мастеров советской живописи. Картины Кончаловского этого периода наполнены поэтическим утверждением радости жизни: пейзажи проникнуты национально-романтическим настроением, натюрморты очаровывают богатством красок, изобилием живописных сил природы, портреты покоряют здоровой чувственностью, оптимизмом, однако в некоторых из них ощущается напряженный драматизм переживаемых событий. Портреты художника очень интересны – человек показан в мгновение особого вдохновения – это портреты Пушкина, Лермонтова, композитора Прокофьева, режиссера Мейерхольда. Одной из наиболее интересных работ художника в театре было оформление оперы А. Рубинштейна «Купец Калашников» для театра Зимина, где Кончаловский, увлеченный в это время примитивами, использовал стилизацию «под лубок».

Художественная деятельность Петра Кончаловского была отмечена Сталинской премией первой степени в 1943 году, мастер был награжден орденом Трудового Красного Знамени и медалями.

Петр Кончаловский оставил богатое творческое наследие. Картины художника в настоящее время продолжают оставаться объектом повышенного внимания. Роботы Кончаловского выполнены преимущественно карандашом, графитом и маслом. В живописи Кончаловский испытывал сильное влечение к Европе, прекрасно говорил по-французски. Также испытал влияние своего тестя, В.И. Сурикова, с которым впервые выезжал на этюды в Испанию, позже они работали по всей Европе. В раннем периоде художник стремился выразить праздничность цвета, свойственную русскому народному творчеству. Художник стал известен благодаря своим натюрмортам, часто исполненным в стиле, близком аналитическому кубизму и фовизму.

После революции Петр Петрович перешел к более реалистической манере, став одним из ведущих мастеров советской живописи. При помощи цвета художник стал передавать то, что называется «радостью, счастьем жизни». При этом во многих известных его работах буйство красок не может заслонить и драматизм (портрет В.Е. Мейерхольда), и комизм (портрет А.Н. Толстого) ситуации, времени и личности, участвующей в создании портрета. Портрет Мейерхольда Кончаловский писал, когда Всеволод Эмильевич уже лишился своего театра, а сам художник, будучи академиком в то время, не стал писать портрет И.В. Сталина, сославшись на то, что он «реалист» и не может делать портреты по фотографии.

Оставаясь независимым (насколько это было возможно в те времена), художник все свои работы представлял на суд супруги, Ольги Васильевны Суриковой – дочери Василия Сурикова, русского живописца, мастера масштабных исторических полотен. Если она говорила: «Не то», – то участь холста была предрешена – «под нож», или Петр Петрович использовал их под новые произведения, безжалостно загрунтовывая предыдущую работу. С внешним миром старался не конфликтовать, свои суждения высказывал обычно с большой долей иронии. Персональная выставка в СССР состоялась только после смерти Сталина.

Умер художник в Москве в 1956 году.

Картина «Сирень в корзине» написана в 1933 году

Петр Кончаловский очень любил изображать цветы. Пожалуй, никто из русских живописцев не создал так много натюрмортов с изображением цветов, как он. Художник писал цветы так, что, кажется, они сохраняют не только свежесть красок, но и свой естественный аромат. Любимые цветы Кончаловского – сирень. Ей он посвятил множество своих полотен. Наиболее известные из них – «Сирень у окна», «Сирень». «Сирень в корзине» – одна из лучших картин Кончаловского, изображающих сирень.

Внешняя простота картины обманчива. Огромное количество цветов, вид их свежести, необыкновенная реалистичность – это лишь малая часть того, что можно сказать о работе. На картине есть и белый, и розовый, и темно-красный, и другие цвета. Такое ощущение, будто художник, рисуя каждый цвет, пытался придать ему какое-либо чувство.

Торжественно выглядит в середине букета высокая жемчужно-белая ветка. А как нарядна рядом нежно-розовая сирень, лиловая, фиолетовая. Сверху веером склонились тяжелые кисти темно-красные, голубоватые, жемчужные, бледно-лиловые сирени. Весь букет венком окружают изумрудные листья. Снизу они так хорошо освещены, что кажутся золотистыми, салатовые, нежно-зеленые.

Когда смотришь на эту прекрасную сирень, то как будто чувствуешь ее аромат. Кажется, чудесный, благоухающий запах наполняет всю комнату.

Кончаловский хотел показать в этой картине природу во всем ее великолепии на примере сирени. Об этом говорит то, что даже корзина, в которой стоят цветы, сделана из ивовых прутьев, то есть больше приближена к природе. Задний план картины выполнен в сером, коричневом и желтом цвете. Такой эффект придает работе еще большую яркость, выделяя на таком фоне цветы. Художник смог передать великолепный букет чувств и эмоций.

Портрет В.Э. Мейерхольда написан в 1938 году

В период массовых репрессий, незадолго до ареста и гибели Мейерхольда, Кончаловский создал портрет этого выдающегося театрального деятеля. Для режиссера-реформатора Всеволода Эмильевича Мейерхольда 1938 год начался драматически: 7 января Комитет по делам искусств принял постановление о ликвидации Государственного театра имени Мейерхольда (ГОСТИМ).

Чтобы подчеркнуть конфликт личности с окружающей действительностью, создавая портрет режиссера, художник использовал сложное композиционное решение. На первый взгляд кажется, что на холсте изображен мечтатель, чьи грезы воплощаются в цветные узоры, покрывающие целиком стену и софу до пола. Но, приглядевшись внимательнее, угадывается болезненная апатия модели, отстраненность от окружающего мира. Идет сопоставление яркого ковра, густо покрытого орнаментом, и монохромно решенной фигуры режиссера, которая иллюзорно оказывается зажатой и запутанной в причудливых узорах.

Василий Кандинский 1866 – 1944

Выдающийся русский живописец, один из основоположников абстракционизма.

Кандинский происходил из семьи нерчинских купцов, потомков каторжан. Его прабабушка была тунгусской княжной Гантимуровой, а отец был представителем древнего забайкальского (Кяхта) рода Кандинских, выводящих себя из фамилии князей мансийского Кондинского княжества. Он родился 16 декабря 1866 года в Москве, в семье коммерсанта Василия Кандинского. В детские годы путешествовал с родителями по странам Европы и по России. В 1871 году семья осела в Одессе, здесь будущий художник закончил гимназию, получил художественное и музыкальное образование. В 1885 – 1993 годах учился на юридическом факультете Московского университета, где занимался на кафедре политической экономии и статистики.

Карьеру художника Кандинский выбрал сравнительно поздно – в возрасте 30 лет. В 1896 году он обосновался в Мюнхене и затем оставался в Германии до 1914 года. В 1900 году поступил в Мюнхенскую академию художеств. С 1901 года Кандинский создал художественное объединение «Фаланга», организовал при нем школу, в которой сам же и преподавал. Это лучший период в его творчестве.

С 1900 года Кандинский много путешествует, посетил Северную Африку, Италию, Францию; наездами бывал в Одессе и Москве. Участвовал в выставках Московского товарищества художников. В 1910 и 1912 годах также участвовал в выставках художественного объединения «Бубновый валет».

В эти годы он вырабатывает новаторскую концепцию «ритмического» использования цвета в живописи. Тогда же Кандинский создал первые абстрактные живописные импровизации и завершил трактат «О духовном в искусстве», книга была опубликована в 1911 году на немецком языке. Считая главным в искусстве внутреннее, духовное содержание, Василий Кандинский полагал, что лучше всего оно выражается прямым психофизическим воздействием чистых красочных созвучий и ритмов. В основе последующих «импрессий», «импровизаций» и «композиций» художника – так сам Кандинский различал циклы своих работ – лежит образ прекрасного горного пейзажа, как бы тающего в облаках, в космическом небытии. Драматургия картин маслом и акварелью строится за счет свободной игры цветовых пятен, точек, линий, отдельных символов типа всадника, ладьи, палитры, церковного купола.

В 1914 году художник вернулся на родину, где жил в основном в Москве. Своеобразная «апокалиптика», чаяния всеобщего преображения в искусстве, характерные для его абстракций, приобретают в этот период все более тревожный и драматический характер.