Шедевры европейских художников - Ольга Морозова

Причесывающаяся женщина

Ок. 1886. Пастель. Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург

Испытывая проблемы со зрением, Дега после 1880-х годов часто работал пастелью, выполнив в этой технике серию с изображением обнаженных женщин за туалетом. Прирожденный рисовальщик, Дега ценит пастель за возможность соединить воедино линию и цвет. В «Серии обнаженных женщин, купающихся, моющихся, обсыхающих, вытирающихся, причесывающихся или причесывающих друг друга» художник стремился передать максимальную естественность поз и движений занятых туалетом женщин, избежать впечатления позирующей фигуры. Он говорил, что хочет застать свою модель врасплох, «увидеть ее словно сквозь замочную скважину», когда она не подозревает, что на нее кто-то смотрит. Вот и на этой картине фигура женщины написана с близкой точки обзора, со спины, что придает полотну особую интимность. Легкие штрихи и мягкое мерцание пастели передают почти осязательное впечатление обнаженного тела.

Берта Моризо (1841–1895)

У колыбели

1872. Музей д’Орсе, Париж

Пожалуй, самая знаменитая картина Моризо «У колыбели» была показана на первой выставке импрессионистов, прошедшей в 1874 году. На ней запечатлена сестра художницы Эдна, склонившаяся над колыбелью маленькой дочери. Благодаря тонко переданной атмосфере камерного уюта и материнского счастья и нежной тональной живописи картина снискала похвалу критики.

«Какой образ может быть более верным и нежным, чем молодая мать… у колыбели со спящим розовым младенцем, едва различимым сквозь бледное облако муслина», – писал Жан Пруво.

Жорж Сёра (1859–1891)

Воскресная прогулка на острове Гран-Жатт

1884–1886. Художественный институт, Чикаго

Выполненная в технике пуантилизм (от фр. «point» – точка) эта картина явилась главной сенсацией последней выставки импрессионистов, прошедшей в 1886 году и стала манифестом нового течения «неоимпрессионизм», по-своему развившему живописные принципы импрессионизма.

На острове Гран-Жатт на Сене близ Нейи по воскресеньям отдыхали состоятельные горожане. На картине мужчины и женщины одеты по моде 80-х годов ХIХ века – талии дам затянуты в корсеты, а сзади к внутренней стороне юбок прикреплены специальные подушечки-турнюры. Фигуры дамы в правой части полотна с обезьянкой капуцином и ее спутника кажутся непропорционально крупными по сравнению с другими персонажами переднего плана. Дело в том, что перспектива картины выстроена так, что смотреть на нее нужно справа наискось – тогда нарушение пропорций исчезает.

Арнольд Бёклин (1827–1910)

Остров мертвых

1880. Художественный музей, Базель

В картинах Бёклина выступает вымышленный мир, часто нарочито таинственный, где фантастическая символика сочетается с натуралистической достоверностью деталей.

Прославленный «Остров мертвых» стал одной из икон символизма. На картине изображена лодка с установленным на ней гробом, плывущая по реке Стикс в царство мертвых – к огромному мрачному острову. По обеим сторонам острова высятся могильные склепы, вырубленные в сплошной скале. Даже одинокая фигура стоящего в лодке Харона, перевозчика мертвых, похожа на покрытый саваном труп. Именно эта выделенная белым цветом пугающая фигура приковывает внимание зрителя. В 1909 году Сергей Рахманинов под впечатлением от этой картины написал одноименную симфоническую поэму.

«Картина должна о чем-то повествовать, побуждать зрителя к размышлениям, подобно поэзии, и производить впечатление, подобно музыкальной пьесе».

Пьер Пюви де Шаванн (1824–1898)

Девушки на берегу моря

До 1894. Музей д’Орсе, Париж

Творчество Пюви де Шаванна находится у истоков символизма, художник наполняет обыденные понятия и действия возвышенным, зашифрованным смыслом. Картину «Девушки на берегу моря» сам автор считал своей лучшей работой.

Это живописная аллегория гармонии человека и природы. Торжественный линейный ритм, обобщенные, условно трактованные фигуры, объединенные в уравновешенную статичную композицию, классическая ясность пропорций, холодный колорит, основанный на игре серо-голубых тонов, придают всей сцене характер монументальной росписи.

Одилон Редон (1840–1916)

С закрытыми глазами

1890. Музей д’Орсе, Париж

В живописи Редона присутствует отстраненность человека от окружающей его действительности, что присуще творчеству большинства символистов. Закрытые глаза героини данного полотна, которое некоторые исследователи считают портретом жены художника, Камиллы Фальт, символизируют полное погружение человека в свой собственный мир, в безмятежные грезы. Словно подчеркивая нематериальность созданного образа, художник наносит сильно разбавленную краску тонким слоем так, что сквозь красочный слой проглядывает фактура холста.

Большую роль в дальнейшем формировании творческого метода Редона сыграло знакомство с Арманом Клаво, смотрителем ботанического сада в Бордо, который познакомил молодого художника с произведениями Флобера, Бодлера, По, с немецкими философскими системами, индийской поэзией.

Поль Гоген (1848–1903)

Девушка, держащая плод

1893. Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург

Гоген, неисправимый фантазер и мечтатель, наделенный необыкновенным воображением, нашел свою «землю обетованную» на Таити, где люди живут в согласии с природой в первозданном мире, не похожем на мир современной ему Европы, погрязшей в пороках, несправедливости, революциях и войнах. В картине «Девушка, держащая плод» он уподобил молодую таитянку Еве. Плод в ее руках ассоциируется с яблоком, атрибутом прародительницы. В действительности это тыква, которую на Таити использовали как сосуд для воды. Вода на острове считалась символом жизни, поэтому этот плод занимает центральное место в композиции.

Видение после проповеди (борьба Иакова с ангелом)

1888. Национальная галерея Шотландии, Эдинбург

На раннем этапе творчества Гоген возглавил группу художников, объединившихся в рамках «клуазонизма», или «цветного синтетизма», известную в истории искусства как понт-авенская школа. Характерные черты живописи этого сообщества художников демонстрирует данная картина, где использованы упрощенные и обобщенно прописанные крупные формы, а также четкий черный и синий контур всех объектов картины, заполненный ровным локальным цветом. Такой метод сообщает картине яркий, выразительный и декоративный вид.

А, ты ревнуешь?

1892. Государственный музей изобразительных искусств им. А. С. Пушкина, Москва

Гогена тянуло к не тронутым цивилизацией народам, к их чуждой, но очень любопытной культуре. В 1887 году он ненадолго отправился на остров Мартиника, а в апреле 1891 – на Таити, где прожил, с перерывом, восемь лет. В картинах первого таитянского периода художник создал образы людей, живущих в гармонии с природой, воплотил ощущение земного рая и золотого века человечества. Гоген по-новому использует цвет и форму, упрощая образы, сопоставляя большие участки чистого цвета для достижения эмоционального эффекта, новаторски решает пространство картины: передний план он дает в традиционной объемной трактовке, а по мере удаления от глаз зрителя части фигуры, детали пейзажа превращаются в плоские красочные пятна.

Поль Сезанн (1839–1906)

Масленица (Пьеро и Арлекин)

1888. Государственный музей изобразительных искусств им. А. С. Пушкина, Москва

Герои полотна «Пьеро и Арлекин» – маски масленичного карнавала и итальянской комедии дель арте, а идея картины – сопоставление жизни активной и созерцательной; человека темпераментного и удачливого со слабовольным и неудачливым. Сезанн раскрывает оба характера через пластику фигур героев. Арлекин наделен упругой походкой, подчеркнутой подвижностью ромбовидного орнамента трико, обтягивающего его гибкое тело. Поза Пьеро, напротив, расслаблена, его белый балахон напоминает скорее хрупкий фарфор, чем мягкую ткань. Моделями для картины послужили Поль Сезанн, сын художника (в костюме Арлекина), и его друг Луи Гийом (Пьеро).